En el sino se establece la vida si hacemos de ese sino su movimiento y su movimiento creación. Las aperturas y los cierres, que devienen color en consonancia con los caminos recorridos, los que no se ven, llevan inevitablemente a nuestro origen. Así la célula se transforma en ser, viviendo su propio camino abierto.
Carlos Galeano
Por segunda ocasión el grupo Hipertrópico, dirigido por la docente Isabel Cristina Restrepo, de la Universidad de Antioquia, presenta una exposición en Casa Imago. En esta ocasión se trata del proyecto ‘Hipertrópico 2.1, Ecologías Digitales’, que para el segundo año de actividades ha generado una exposición realizada en simultánea en la Galería del Cerro Nutibara y en Casa Imago. En el primer espacio se presentan los trabajos de los artistas invitados y de los artistas seleccionados por convocatoria, en tanto que en el segundo se presentan los de las estudiantes del Centro Formativo de Antioquia CEFA, y los de los estudiantes del Taller de Investigación de Software Libre de la Universidad de Antioquia.
Carlos Galeano
‘Desde hace dos años la joven maestra en Artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia Sede Medellín, Mónica María Cardona, emprendió su proyecto Virtual Art, gracias al programa de la Alcaldía de Medellín, Cultura E, ‘cultura del emprendimiento empresarial’.
Como curador invitado, Andrés Oliver escribió acerca de Brote: “La primera exposición BROTE, presenta la visión que desde diferentes manifestaciones plásticas, cinco nuevos artistas enseñan de una obra que pretende avanzar en el campo estético de nuestro medio. Con propuestas que van desde la experimentación fotográfica, hasta la profundización pictórica, esta exposición quiere significar el BROTE (el surgir, el emerger) de unas propuestas que intentan cuestionar nuestra mirada, quizá ya domesticada por una normalidad estética uniformada, abriendo paso a cuestionamientos que proyectan el paso a un campo estético más amplio y propositivo, a la vez interrogante y seductor”…
Carlos Galeano
El Encuentro Colombiano de Fotografía es un evento que tuvo su primera edición en Medellín en el año de 1987, promovido por la Academia Yurupary, como un programa que pretendía reunir periódicamente a todas las personas vinculadas con la fotografía para estrechar los lazos de amistad y cooperación dentro del gremio.
Durante los años 1991 a 1997 el evento fue realizado en diversas ciudades del país bajo la conducción de la Asociación Colombiana de Fotografía (ASFOTO) y en 1998 regresó a su ciudad de origen. Para la versión del año 2008 Casa Imago dispone por primera vez su sala para la presentación de una de sus exposiciones y uno de sus conversatorios, que hacen parte de la agenda amplia de exposiciones y eventos, tanto en su extensión temporal como en el número de salas de exposición involucradas.
Este trabajo marca la suspensión de una prolongada pausa fotográfica, y es también un canto humilde a dos países y pueblos que me marcaron de manera indeleble desde hace muchos años, cuando los visité por primera vez. En ese sentido, y parafraseando a Proust, estas imágenes son un pretexto para ir “En busca del tiempo perdido” o de “El tiempo recobrado”’.
Carlos Galeano
Este escenario es el resultado coherente del trabajo que Betty Castro ha desarrollado a lo largo de los últimos años. En el principio existía una clara preocupación por la materia y por la forma como el tiempo actúa sobre ella. Para ese entonces sus obras lucían como evocaciones a los sustratos geológicos que apelmasan tierras y minerales diversos. Algunos de los trabajos presentados en esta muestra pertenecen a esta búsqueda, que arroja como resultado un conjunto de obras en las que el color y la textura funcionan como alegoría del tiempo y del decantamiento. 
Hacia el final de la muestra, el perfilamiento del interés de Betty Castro la lleva a establecer preguntas más agudas. Entonces tomó una decisión arriesgada que le valió eliminar de su paleta todos los colores diferentes al blanco y al negro. En ese punto su trabajo empieza a lucir vinculado al expresionismo abstracto. La motivación que da sustento a esta determinación busca dar respuesta a las preguntas por la naturaleza misma de la pintura y por la imperiosidad de la existencia de un objeto de representación.
Carlos Galeano
En el escenario amplio que plantea esta temática los intereses comunes se convierten en un pretexto para reflexionar, desde el cuerpo, sobre las sutilezas de la perversión y el sufrimiento. ‘El ser se acerca al Eros, a veces de forma abrupta, y otras con las mejillas sonrojadas. Pero nunca, absolutamente, puede escapar de sus sentidos; pues estos invitan a acercarse al objeto de su deseo. Es probable que en algunas ocasiones tenga un final fallido: allí encuentra su Tánatos, y comienza nuevamente a configurar los restos de la vida placentera, plagada de lunares de muerte’, comentan los artistas.
Marysol Ochoa expone dos obras. En ‘Castillo’ se presenta vestida como una novia, símbolo de pureza e inocencia, con el traje lleno de rosas rojas. Al acercarse a una de las paredes de la galería empieza a tomar uno a uno lo pétalos que va pegando delicadamente el la pared, gracias a la leche-pegamento que mana de uno de sus pechos. Lentamente se configura la silueta de un castillo. Una vez concluido, traza con el resto de los pétalos un camino que partiendo de la puerta del castillo la lleva a un lugar indeterminado.
La obra se constituye en una alegoría a la gestación, a veces exitosa, a veces truncada, que acá propone el castillo como imaginario del hogar que se espera construir con amor y entrega propia, un sueño esperado, pero que tal vez nunca será. En sus propias palabras: 'un camino de lágrimas derramadas construye el elogio al deseo de poseerte. Se despliega de nuevo el aliento de un ser preconcebido. Contengo vacío, y llena de ti, me muevo lentamente hacia el rastro que ha dejado tu existencia'.
‘Ice Cream Cubes’ aparece como su segunda obra en esta muestra. Una instalación de nueve cubos de materia rosa, alineados en filas de tres por tres, gotean uno sobre el otro una sustancia sanguinosa que finalmente mancha el piso. Una alegoría al embarazo interrumpido:
'Epifanías: el rechazo, la impaciencia, la impotencia…
Al final, la súplica de una vida que aunque deseada nunca fue'.
Jorge Luis Múnera presenta tres obras en la muestra, dos pérformances y un conjunto de pinturas que invitan a la interacción. ‘Hombre cabina No. 1’ consiste en una cabina blanca que posee un vidrio negro, desde su interior, de manera sutil al principio y luego con unos gestos más evidentes, va develando su auto-retrato. Concluido el dibujo básico, procede a descubrir superficies más amplias que dejan adivinar la desnudez de su cuerpo tras la superficie raspada al vidrio. Una confrontación entre la imagen dibujada, la imagen pictórica y la imagen real se pone en evidencia acá. Más, al acercamiento del público al la cabina, en la que es evidente la desnudez del artista, la iluminación desaparece para dar paso a la oscuridad. Se activa así un juego en el que el querer ver se confronta con la prohibición, desencadenando así el mecanismo del deseo.
En su segunda obra, ‘Hombre espejo No. 3’, Jorge Múnera se acerca al público asistente con un cubo de espejos por cabeza, enfrentando a los asistentes a un juego entre el cuerpo ajeno que se suma a la imagen propia en el espejo. Aquí se propone una disolución de las fronteras del yo, se invita a que el carácter de individuo sea ampliado en una corporeidad ajena.
Cierran la exposición cinco pinturas de la serie ‘Intra-censura’. Se trata de obras que representan mujeres desnudas y que proponen un grado medio de interactividad con el público. En dos de las obras la acción se traduce en un acto tan simple como retirar una rosa de la pintura, con lo cual se descubre una parte del cuerpo y deja abierta la posibilidad de que quien lo hace vuelva a cubrir esa desnudez o continúe con el juego. En otras dos la invitación se hace en términos de introducir las manos en las partes íntimas de las mujeres representadas, con lo cual se activan y se cuestionan los límites del fetiche y del pudor.
En la última obra, se observa la silueta oscura de una mujer, en tanto en una estrella, como las de la censura de la genitalidad de las mujeres en las salas X, aparece pintada una vagina de la que sobresale el clítoris rojo. Quien decide pulsar su límite interior puede presionar el pequeño botón, que activará la luminosidad de la pintura para dejar ver a cambio de la silueta oscura un conjunto de rosas secas y un texto que anuncia en evocación poética:
‘¿Qué buscas en mi?
¿Qué encuentras en mi?
¿Qué quieres de mi?
Ahora suenas un poco a mi,..
Ahora tengo un poco de ti, no demasiado, solamente un reflejo.’
El público interactúa con las obras, en ocasiones con risas nerviosas, otras con satisfacción, no pocas veces con resquicios de moral. Las obras activan en el público un mecanismo erótico complejo: no es fácil escapar del fantasma del cuerpo femenino desnudo, que cobra presencia latente intimidando a algunos y estimulando a otros. Bien por afirmación o por negación, los límites de la transgresión erótica se ponen en escena.
Carlos Galeano
El hecho de que la danza contemporánea no sea su actividad principal no ha sido obstáculo para que el fruto de su trabajo creativo no haya tenido una proyección importante. Todo lo contrario, sus creaciones han tenido ya varias presentaciones en diversos escenarios de la ciudad, combinando la danza con la labor creativa de diversos músicos que realizan composiciones e improvisaciones para cada espectáculo en particular.
El guión de ‘Transeúntes’ tiene su inicio temprano en la mañana, cuando la cotidianidad de la vid de los ciudadanos comienza con el despertar en cama. Una a una las acciones de la vida van transcurriendo: el baño, el vestirse, el desayuno, la salida a la calle, en cruce con los transeúntes, el agite en el transporte, la tensión productiva del trabajo, el regreso a la calle, de nuevo el cruce con los transeúntes, la distensión que propicia la ingesta de un par de cervezas en algún lugar nocturno, el encuentro con lo amigos, la celebración.
Carlos Galeano
Para ello decidió en principio hacer envío de correos masivos en los que solicitaba a quienes lo recibían que si tenían un amigo imaginario, le preguntaran a este si acaso conocía a su amigo perdido. No obtuvo ninguna respuesta positiva, pero en cambio sí recibió muchas respuestas de personas que le contaban que tenían un amigo imaginario y de manera espontánea le relataban algunas de sus historias.
A partir de este diálogo se dio inicio a la primera fase del proyecto, en la cual a partir de la descripción que el contacto le hacía de su amigo, Lismann y Barrero hacían un construcción dibujística y pictórica del personaje descrito. Así, por ejemplo, alguien relató que su amigo imaginario tenía una barriga pequeña pero prominente, le gustaba el fútbol y tenía un parecido a Jesucristo; a partir de estos datos toma forma ‘Pipo’, que bien podría describirse como Cristo pequeño de futbolista.
Una segunda fase del proyecto se materializa en instalaciones. Para la exposición de Casa Imago se realizaron tres. En ‘Señor Globo’ una sala completa de la galería se dispone para que el personaje reproducido en docenas de globos se mueva libremente al vaivén de las corrientes de aire y la interacción con los visitantes. Resulta sorprendente cómo el Señor Globo cobra vida y se agrupa en corrillos con sus clones, en tanto otros globos parecieran preferir la soledad o la interacción con los humanos.
En ‘Escondite’, una cortina de fibras textiles enreda en su interior una cantidad enorme de juguetes infantiles de diferentes épocas. En esta obra resalta el hecho de que la mayoría de los asistentes encuentran uno o varios juguetes que los conecta con algún momento específico de sus memorias, permitiendo de esta manera que un recuerdo cobre vida y les permita estar de nuevo en esa escena de su infancia.
‘Tropiezo’, entre tanto, recurre a la potencia de las imágenes originadas en una pesadilla, en la cual una pequeña matera se cae de medio lado y de su interior empieza a brotar una cantidad inagotable de tierra con vida propia. La obra aparece en el piso de la galería bajo la figura de un ser estático de proporciones alargadas, pero, anuncian los artistas, al apagarse las luces del espacio este ser cobra animación y sus extremidades de desplazan a todos los rincones de Casa Imago, hurgando en sus habitaciones mientras los habitantes de casa duermen.
La muestra culmina con dos obras participativas. En ‘El correo de las nubes’ los interesados pueden hacer uso de los lápices y papeles que se sitúan en un rincón de la galería para escribir algún mensaje a su amigo imaginario, que luego será depositado en una suerte de caja de correo. En la mesa de dibujo, entre tanto, los artistas disponen hojas sueltas y colores para que los asistentes, inspirados en los dibujos colgados en la pared, hagan la ilustración de sus propios amigos imaginarios. En estos dos casos la participación del público se convierte en punto de partida para la reelaboración del material y la producción de nuevas obras.
Sobre su obra escribe Carlos Barrero:
‘… amigo imaginario invita a mirase, a darse al encuentro con uno mismo…
Evocar los primeros años de vida supone la habilidad del ser humano para rememorar y re-imaginar, por ello la evocación del amigo imaginario como aquel primer ser que nos acompaña a descubrir el mundo y que emerge de la imaginación de cada individuo. El auto conocimiento es el centro de este proyecto, permitirse jugar con los elementos existentes en el entorno y disponerlos de manera lúdica; el permitirnos errar y disfrutar del intento, de la travesura, para evocar la esencia de lo que somos, proponer sin ningún tipo de peso o carga teórica, simplemente es un encuentro consigo mismo. Este encuentro imaginario se presta para experimentar, dejarse llevar y reflexionar sobre el peso de cosas que acumulamos con el tiempo.’
Carlos Galeano
La exposición de Rodrigo Díaz parte justamente de la evocación de sus lugares de infancia, en los cuales daba rienda suelta a la imaginación en compañía de sus amigos. No había allí lugar para las preocupaciones de los adultos. Sin importar la hora llegaban a sus hogares con los rostros sucios y sudorosos, con las rodillas y los codos raspados. 
Carlos Galeano
La muestra que presenta en Casa Imago recoge buena parte de su producción reciente, la cual está articulada bajo un concepto nodal que da cuerpo al título: ‘y todo lo que pudo haber sido’. El deseo se constituye en la materia prima, que deriva en territorios y situaciones de la mente de la fotógrafa, pero que no por ello son inexistentes. De hecho, podría decirse que las imágenes presentadas son la materialización de las comisuras retorcidas de su pensamiento, sus pasiones y sus deseos.
La exposición está configurada por cinco series fotográficas, cada una de ellas referida a sus amores recientes, que bien pudieron haber sido reales o deseados. Sandra Rengifo invoca la colaboración de sus enamorados como modelos situnadolos en el lugar, el tiempo, con la personalidad y el atuendo que su deseo oculto le dicta. Los personajes que resultan de esta labor nada tienen que ver con las personas reales, son la encarnación de un imaginario que tiene sus raíces en una estética gótica y retorcida.
En ‘You Can Hear the Room’ su amado se torna en un monaguillo que habita un mundo de habitaciones oscuras, apenas iluminadas por las tenues luces de las veladoras, un mundo que no obstante su contexto religioso remite más al escenario de la sombra interior, del alter ego reprimido que encuentra un escape a las inclinaciones no permitidas.
En ‘The Fox and the Rabbit’, entre tanto, su amado ha mutado a lo que bien se podría nombrar como un boy scout psicópata, quien al tiempo que acaricia con dulzura una gato deméstico empuña en su mano un afilado cuchillo y centra su mirada en el observador anunciando sus nefastas intenciones.
El personaje que da cuerpo a ‘The Dress’ nos recuerda el cuento ‘Simón el Bobito’, pues con su perfecto traje escolar, que pareciera apenas haber sido usado, aparece como una alegoría su pensamiento vacío. De allí deviene el texto que lo acompaña: ‘The word in your head still remain unsaid’.
‘The Perfect Drug’ encarna la presencia de un poeta maldito quien se encuentra en pleno ensueño por la ingesta del licor de ajenjo. El personaje remite a una versión masculina de Ofelia, en la que los atributos de belleza se encuentran delicadamente exaltados, al tiempo que su cualidad etérea lo convierte en un objeto inalcanzable.
Para cerrar, ‘Heaven’ nos presenta a su enamorado en el rol de un piloto de aviación de la segunda guerra mundial, quien encarna la posición del héroe. Por eso se le ve altivo y seguro de sí, pero al igual que el poeta maldito por fuera del alcance de quien lo observa y desea poseer.Carlos Galeano
En el marco de ‘12 Salones Regionales de Artistas, Confluencias Arte-Ciudad’; ‘Exposiciones Paralelas’, se presenta este proyecto del grupo de investigación Hipertópico de la Universidad de Antioquia, que arroja como resultado inicial un conjunto de obras concebidas desde la ilustración, la animación y el performance.Acorde con la coordinadora general del grupo de investigación, Isabel Cristina Restrepo, la propuesta ‘es el fruto del trabajo de un espacio alterno creado por la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia, que abre la discusión, el análisis y la difusión del hacer artístico con nuevas tecnologías en el ámbito local’.
El grupo, continúa la directora, ‘está hospedado en una instancia académica y hace uso precisamente de una plataforma educativa, Moodle. De esta forma se dinamiza el proceso de proyección artística y pedagógica, pues se utilizan otras alternativas de interacción y diálogo entre artistas, profesores y público en general. Es por esto que el foro participativo, la publicación de un blog y la exhibición en Casa Imago se convierten en actividades paralelas a la exhibición virtual de las distintas propuestas.
En esta primera exhibición virtual la selección estuvo a cargo de los profesores de Artes Visuales de la Facultad de Artes: Armando Montoya, Isabel Restrepo y Gabriel Mario Velez. Las obras seleccionadas responden a inquietudes y vivencias de los artistas alrededor de las dinámicas urbanas, tales como: movilidad, cambio, memoria, tránsitos, interacciones, entre otras. A su vez se desarrolló una metodología de asesoría y trabajo interdisciplinar que permitiera a los artistas asumir los retos y las potencialidades sintácticas y semánticas que las tecnologías digitales y de información proveen para la formalización de sus propuestas’.
Como resultado de esta búsqueda, se presenta un conjunto de trabajos en Casa Imago que aparecen agrupados en tres grandes categorías: ‘Interactividad’, en la cual los asistentes pueden tener un rol activo en el desarrollo de las obras; ‘Movimiento, Animación, Video’, en la que se puede observar el fruto del trabajo de artistas que encuentran en estas tecnologías el escenario propicio para su desarrollo expresivo; y ‘Espacio, Performance’, en la que las obras cobran una dimensión espacial envolvente invitando a los asistentes a involucrarse de cuerpo vivo en el desarrollo de la obra.
